Uma forma de potencializar o objeto de Ulisses Castro e ao mesmo tempo liga-lo a outro objeto da sala seria integra-lo com a proposta da Luiza Okubo. O objeto dela propõe causar reações corporais a partir da vibração e isso pode ajudar na proposta de exploração do conhecimento do corpo que Ulisses buscou no seu objeto.

   Sensoreares de vibração seriam destribados ao longo dos retalhos de pano de modo que eles ficassem escondidos. Para que o objeto perca o caráter reativo dos leds, esses sensores não devem ser acionados por botões e sim por reed switch que fechariam o circuito com o auxilio de imãs escondidos no objeto. Dessa forma, a partir do movimento de quem interage com objeto - sendo uma, duas ou mais pessoas- os sensores podem, ou não, vibrar e causar surpresa e curiosidade. Isso agregaria o carater exploratório e programático já que não se saberia onde ligar o circuito, mas existiriam um enorme número de possibilidades para que isso aconteça, determinados pelo movimento aleatório das pessoas.

   O objeto deve continuar com a proposta de emaranhado de retalhos porem ele deve ser menos caótico e ter uma forma mais definida para que a ideia inicial de cama de gato humana seja resgatada. Assim, um sistema de cores fortes e chamativas seriam uma saída para criar uma estética mais limpa e clara. Para passar o circuito, uma mangueira fina, maleável e transparente seria usada para protege-lo e dar uma forma mais estruturada ao objeto. Esse tubo ainda deixaria o objeto mais uniforme, ajudando a esconder a posição dos sensores devido a sua leve rigidez e seu  ao volume. Essa forma também chamaria mais atenção para o objeto, alem de diminuir a sensação de estranheza das pessoas. Os retalhos cobriam essa estrutura além de agregar ao aspecto estético. 

Verônica Horta Christófaro, 22 de maio de 2016, Belo Horizonte.

    Começando com o Parkour que é uma forma de transposição dos obstáculos que estão em uma linha reta de trajetória escolhida pelo praticante. O objetivo não é fazer os movimentos mais inusitados possíveis, mas sim executar o movimento mais simples e eficiente para traspor as barreiras. Foi criado por David Belle na década de 1990 na frança que e teve como inspiração a vida de seu pai, socorrista na guerra do Vietnã e do corpo de bombeiros. 

   A Deriva foi concebida a partir das ideias da Internacional Situacionista, década de 1960, que foi um movimento de intelectuais e artistas europeus que constituiu uma critica dura ao urbanismo e à cidade contemporânea. Aquele que pratica a deriva acredita que ao mudar o próprio comportamento a cidade ao seu entorno também muda. Dessa forma, anda-se pela cidade participando de suas interações.

   O Flâneur, assim como a Deriva, carrega uma critica profunda ao sistema da cidade moderna. O Flâneur, no entanto, perambula pela cidade sem possuir objetivo aparente, mas é, na verdade, uma imersão completa na urbano.

   O Flash Mob por sua vez é uma apropriação mais recente. Ele é uma aglomeração instantânea de pessoas em um local público para realizar uma determinada ação inusitada e que foi previamente combinada. No final do ato os participantes se dispersam rapidamente. Essa pode ser uma estrategia nova, porem o termo "flash mob" é usado desde o seculo XIX para descrever um grupo de prisoneiras da Tasmânia baseando-se  no jargão usado por elas.

      O Rolezinho possui mais de uma teoria para o seu surgimento. O certo é que ele implica a criação de um evento nas redes sociais que ocorrem nos shoppings normalmente frequentados pelas classes mais abastadas da sociedade. Os participantes são normalmente jovens de classes mais baixas. Essas encontros possuem um apelo politico grande, já que nele essas classes passam a "invadir" locais que são frequentados pelos mais ricos, o que cria um choque cultural e ideológico grande.

Verônica Horta Christófaro, 22 de maio de 2016, Belo Horizonte.

 Ulisses Castro propõe um vestível de interface programática feito a partir de um emaranhado de retalhos de tecidos e cordas. A interação que ele desejava criar com esse objeto era que as pessoas que brincassem com ele descobrissem o próprio corpo por meio de movimentos inusitados.

Com o objetivo de expandir a interação, um circuito de luzes de led e sensores de movimento caseiro foram acoplados ao vestível. Essa medida, no entanto agregou um caráter reativo ao objeto, já que a pessoa que o utiliza passa a mover os retalhos para acender as luzes.

A forma de emaranhados criada propõe uma estética interessante que remete ao programático, mas poderia ter sido melhor executada, já que criou uma certa confusão em relação a forma e consequentemente ao uso. Isso implicou em uma interação pouco diversificada.

O vestível sem o circuito elétrico, porém poderia incentivar às pessoas a explorá-lo mais, já que a relação reativa movimento/luz não estaria presente. Assim, a estranheza da forma e estética poderia incentivar a exploração.

   A Bienal de arte de São Paulo ocorreu entre os dias 6 e 10 abril deste ano e buscou promover a arte contemporânea e aproxima-la da população. Apesar de seu objetivo, a população não aproximou-se das obras, isso se deve a organização do espaço e a escolha dos componentes das exposições. 

   Esse evento, diferentemente de um museu, visa, além de expor as obras, vende-las e esse eh o primeiro ponto de desencontro entre a população geral e a Bienal. A grande maioria dos visitantes não possuem poder aquisitivo para compra-las. Dessa forma, a visita aos espaços torna-se rápida e pouco detalhada.

   A exposição ainda foi estruturada de forma muito tradicional o que diminui a integração dos visitantes com o que é exposto. A organização (de um evento que se diz contemporâneo) é mais imóvel do que muitos museus, e, quando essa é comparada com a disposição de espaço do Masp, esse engessamento é ainda mais gritante. 

   A Bienal é formada por várias galerias o que favorece ainda mais para a fragmentação e falta de integração do espaço. Além disso os acervos de tais galerias são muito semelhantes. Um exemplo disso é que quase todas possuíam obras de Volp, essas que, na maioria das vezes, tratam da mesma cena e há pouca mudança no esquema de cores. Essa falta de diversidade provoca a sensação de que o visitante vê sempre as mesmas obras o que provoca desinteresse. Além disso, os funcionários das galerias não se disponibilizam a apresentar os trabalhos dos artistas para a parcela dos passantes que não possuem poder aquisitivo para compra-los. 

   Esses aspectos fizeram com que o andar mais visitado fosse o terceiro que dedicou-se a decoração de móveis. Talvez pelo antedimento dos funcionários, ou pela disposição convidativa dos objetos expostos , ou ainda pela presença de cafeterias em espaços interessantes com mesas invertidas e espaço de convivência, esse andar atraiu os visitantes.    

    Curioso foi constatar que a arte, aberta a interpretação e sem fins finalísticos e causais, o que abriria à interação dos visitantes, não foram o atrativo para a população. Esse papel recaiu sobre móveis e objetos puramente decorativos, com fins prontos e acabados devido a organização do espaço.

Verônica Horta Christófaro, 18 de abril de 2016, Belo Horizonte. 

   O Museu de Arte de São Paulo é um museu privado sem fins lucrativos, fundado pelo empresário brasileiro Assis Chateaubriand, em 1947, tornando-se o primeiro museu moderno no país. O atual prédio foi projetado pela arquiteta Lina Bo Bardi em 1968 que cria uma construção de vidro e concreto, principalmente, sem contornos e acabamentos luxuosos.  

    O vão livre da construção além de belo abriga uma praça de convívio para a população, mas, talvez devido a reforma que esta sendo realizada na fachada do museu, esse espaço não possui todo o potencial proposto no projeto. Esse local ainda serve de abrigo ao tempo para a população de rua que vive nas proximidades, apesar de desses serem frequentemente retirados pela policia municipal. 

    Pode-se constatar que o espaço simples, belo e funcional projetado pela arquiteta não é utilizado pela população em seu maior potencial. Isso ocorre devido a intolerância da população de classe média em relação aos moradores de rua o que gera uma disputa pelo espaço . 

    Em relação ao acervo, é impressionante a quantidade de séculos ali representados. De uma estatua grega da deusa Higeia do século IV a.C., foto ao lado, às pinturas das vanguardas modernistas do inicio do século passado. Percebe-se a predominância da arte europeia, mas vê-se estatuas africas; esculturas de soldados chineses; pinturas mexicanas de Diego Riveira e obras de brasileiros como Almeida Junior, Anita Malfati, Candido Portinari e Flávio de Carvalho. As obras da sala do acervo permanente foram organizadas respeitando a ordem cronológica, das mais antigas para as mais recentes, utilizando os cavaletes criados por Lina Bo Bardi que objetivava tirar as obras da parede distanciando esse museu dos outros tradicionais. Essa organização cronologia, no entanto, quebra parcialmente a proposta da arquiteta.  

    Na salas destinas a exposição que esta sendo realizada, História da infância, os obras de arte voltam à parede, criando espaços ainda mais tradicionais para uma proposta moderna. Essa exposição contrasta a infância retratada em pinturas historias com fotos da realidade atual. Um exemplo é a foto ao lado de Andre Cypriano intitulada " O menino e a pistola" tirada na favela da Rocinha em 1999. Essa foto é exposta ao lado de uma criança vestida para ir para a escola em 1888, que retrata o filho de um carteiro e é denominada " O escolar" pintada por Vincent van Gogh. 

    O museu destaca-se pela importância do seu acervo que confere ao museu o estaus de mais importante do hemisfério sul, pela sua beleza e pelo seu potencial desperdiçado devido a conflitos de de classes. 

Verônica Horta Christófaro, 17 de abril de 2016, Belo Horizonte.